La galería de arte Estudio Artizar inaugura el próximo viernes, 5 de marzo, la exposición titulada “GRAN CANARIA S. XX”, una muestra de pinturas, esculturas, dibujos y grabados realizados por relevantes artistas grancanarios que estuvieron activos durante el pasado siglo, algunos de los cuales, como Martín Chirino, Pepe Dámaso, Félix Juan Bordes o Alfonso Crujera, continúan su labor creativa con igual dedicación y excelencia. La mayoría, sin embargo, pertenece a la historia del arte en Gran Canaria durante el s. XX, donde sus obras ocupan un lugar destacado. Tal es el caso de Eduardo Gregorio, Felo Monzón y Santiago Santana, que formaron parte de la primera generación de la Escuela Luján Perez, que junto a representantes señeros de las generaciones de posguerra, como Antonio Padrón, Jesús Arencibia, Lola Massieu, Juan Guillermo, Baudilio Miro Mainou y Tony Gallardo, o más recientes como Juan Hernández, configuran un panorama rico y variado que justifica sobradamente la importancia de la contribución grancanaria al arte contemporáneo insular y español.

Deconstruir percepción y conocimiento para llegar a la conciencia tal vez sea una de las pautas de la expresión artística contemporánea. Es, sin embargo, una acción común a toda manifestación del arte desde sus lejanos comienzos, desde que hiciera su aparición como nuestra primera seña de identidad, que así la consideraba M. Blanchot.

Dentro de esta pulsión de raíces mágicas que aspira a convertirse en ciencia hay un momento de iluminación que es el que más nos aproxima al estado en el que el mundo y la mente primitivos empiezan su proceso de desciframiento: el episodio de la infancia. Es en su vasto olvido surcado de destellos donde nuestra relación con la existencia adquirirá su forma casi definitiva, y donde el uso de cuanto nos rodea marcará de manera indeleble nuestras vidas.

Hoy sabemos que el juego es uno de los estímulos básicos del conocimiento, el motor más efectivo del aprendizaje y un óptimo educador del instinto y de la imaginación, y comprendemos mejor que buena parte de la creatividad y de los objetos de fascinar que el arte ha producido, tienen en aquel momento de iluminación olvidado y en el ludión que lo restituye, su origen y sentido. Por ello, no fue difícil convencer a los artistas implicados en JUGUETERIA para que en sus trabajos e intervenciones consideraran al juego y a los juguetes como motivo de inspiración o reflexión.

Dice el DRAE que juguete es un objeto atractivo con que se entretienen los niños, sin embargo sospechamos que a día de hoy ya sobra lo de los niños, pues juguete extiende su campo semántico prácticamente a todo objeto atractivo que invite al entretenimiento y a la diversión, todo objeto capaz de despertar fascinación y, en consecuencia, deseo.

En el ámbito de ambos estímulos es en el que se han movido los proveedores de esta acción colectiva. Sus juguetes nos acercan al espacio delicado y secreto de lo divertido, un lugar en el que los objetos por ellos creados van a querer jugar con nuestras emociones y nuestra inteligencia si nos aventuramos a dejarlos.

Si en el mundo de la fotografía a secas el nombre de Dave McKean, nacido en Taplowk, Berkshire en 1963, no resulta demasiado llamativo, su nombre se va cargando de intensidad al llegar al mundo de la historieta, la novela gráfica o el diseño editorial hasta ser un puro clamor de entusiasmo y admiración de sus seguidores, justificado por el talante renovador de su arte. En dichos mundos Dave McKean, el portadista de Miracleman, Hellblazer y The Sandman, el dibujante de Arkham Asylum y Signal to Noise, el creador de Cages, es simplemente una celebridad.

Sin embargo, ya desde los comienzos de su carrera profesional, tras su paso por la Escuela de Arte y Diseño de Berkshire, su dedicación a la fotografía ha sido continua en su trabajo de ilustrador. Pero será en el serial por entregas Signal to Noise, de Neil Gaiman, publicado por la revista The Face entre 1989 y 1990, cuando verdaderamente, como escribió José María Méndez, se confirmaría “su talante experimental, mezclando las técnicas, los soportes y los medios y saltando indistintamente del collage fotográfico y las copias en color a la manipulación digital”.

Dave McKean fue uno de los primeros creadores de comics que recurrió a la expresión artística como fuente de inspiración, pero sobre todo como recurso expresivo. Lo advertía el citado José María Méndez en la semblanza formativa del artista que publicó en la revista Ü, el hijo de Ürich, en el especial dedicado a McKean en julio de 1998: “Su paso por la escuela enriqueció notablemente sus influencias y su concepto de la representación gráfica: el figurativismo literal y la perfección técnica, elementos que por aquel entonces se le antojaban supremos, se apartaron un tanto para dejar espacio a lenguajes más viscerales y abstractos, por influencia de autores como Jim Dine (que le descubrió todo un mundo de posibilidades trabajando con la fisicidad del soporte, con las texturas), Alberto Giacometti, Francis Bacon, o el ilustrador Ralph Steadman, que le enseñó la tremenda capacidad del trazo violento para retratar la verdadera naturaleza de las cosas. Un viaje, de lo descriptivo a lo expresivo, ejemplarizado en la progresión de sus gustos dentro de la escuela vienesa del S.XIX, del elegante ornamento de Klimt a la agresiva desnudez de Schiele, del que McKean asegura no conocer a nadie que dibuje mejor”

Pese a la operatividad instrumental de la fotografía en el universo intenso y visceral de McKean, ésta ha ido delimitando un espacio propio que el artista, a partir de mediados de los noventa, decidió ir particularizando en ediciones de series fotográficas específicas, como Option:Clik, A Snall Book of Black & White Lies o The Particle Taror (Major y Minor Arcana), o la que tiene en marcha, hasta ahora inédita Pholk.

Este es, precisamente, el título de la exposición que ahora presenta en Artizar y que incluye, en primicia absoluta, las nuevas fotografías de esta nueva serie, una docena de imágenes “que presentan el clima o el estado de ánimo, el paisaje o la locura de las tribus humanas”, como explica en el programa de la muestra.

La exposición se completa con otras 14 fotografías de las series precedentes que, a modo de introducción a su trabajo fotográfico, han sido seleccionadas por el comisario de la muestra, Frasco Pinto Pomares. Entre ellas, varias pertenecientes a Particle Tarot, Black & White Lies y Option:Clik, junto a algunas obras no seriadas como la poderosa visión una Gorgona contemporánea que es Anemone Voodoo.

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“Pertenecemos a una aldea global, a una única nación y estamos empezando a compartir un único destino. El dinero se funde en un mestizaje imparable. Si tubiesemos que ponerle rostro a este nuevo mundo que nos rodea, con el dinero como único juez y señor, ¿qué cara tendríamos...?

Face value es un retrato del mundo en que hoy nos movemos, de los valores con que somos juzgados continuamente, de la sociedad y sus patrones de medición, del verdadero rostro que se esconde detrás de la piel, del rostro del poder económico con que se mide la belleza, el éxito, o la felicidad.”

Estas son las premisas que plantea Vicente López en su última obra, donde parte de la concepción cubista en la que la imagen se presenta descompuesta en diferentes planos que se reconstruyen en la mente del espectador. Pero lejos de considerar lo comprensible desestructurando lo real, como hacían los cubistas, Vicente López manipula el icono, “la cara del dinero”, con la seguridad –pues lo que ha realizado son grandes lienzos meticulosamente pintados- de que su condición omnipresente en la sociedad actual lo convierte tanto en objeto estético como en sustancia filosófica o, lo que es hace ya mucho tiempo, en la verdadera razón de la ética, la política o la religión.

Gregorio Barreto ha hecho de la pintura un instrumento emocional del que se ha acompañado siempre. Su dedicación al estilismo, de lo que ha vivido y a través del que ha encauzado buena parte de su creatividad, hasta el punto de alzarse con varios trofeos por sus habilidades y haber conseguido un reconocido prestigio en su ámbito profesional, ha reservado en todo momento un tiempo de su vida para la soledad y la realización artística. Esta parcela de su existencia poco a poco ha ido ganando terreno en la mísma, participando durante la década de los noventa en muestras colectivas de carácter local, y desde el 2000 manifestándose en exhibiciones individuales de sus obras, primero en la Casa Massieu de Tazacorte, de donde es oriundo y donde reside, y en 2003 en la Casa Massieu de Argual, en la isla de La Palma.

La exposición que Barreto presenta desde el próximo 3 de septiembre en la galería de arte Estudio Artizar de La Laguna, lleva el título de Tras el biombo y desarrolla, en torno a una pieza que es precisamente un biombo pintado, un recorrido por sus trabajos más recientes, elaborados de manera genérica con acrílico, collage y técnica mixta, junto a otras incursiones experimentales, y sobre distintos soportes aunque prevaleciendo el lienzo.

Con un registro de sensibilidad amplio, la obra de Barreto puede llegar a transmitir una gran delicadeza y exquisitez, o revolverse con temperamento y vehemencia para encontrar su punto de equilibrio. Su arte es de naturaleza expresionista y de inspiración abstracta, pero la presencia de bosques, volcanes, bodegones de flores o frutas, etc., que nos alertan de su idiosincrasia palmera, son las pruebas más claras del espacio de libertad expresiva en el que se desenvuelve.

Tras el biombo, su primera exposición en Tenerife, propone además un guiño cómplice. Gregorio Barreto tiene su estudio instalado en un local anejo a su salón de peluquería en Tazacorte, ocupando una parte que ha independizado por medio de un biombo; tras él casi todos los días, aunque sobre todo durante las noches, se encuentra consigo mismo y con su curiosidad estética. Los mejores frutos de estos encuentros es lo que mostrará en Estudio Artizar hasta el 29 de septiembre.